DINÁMICA

ORQUESTA ANIMALÓNICA

Realizaremos una sesión práctica donde los niños y niñas se irán familiarizando con los  instrumentos de percusión, a través de la interpretación de un cuento, donde nuestros protagonistas son ¡animales!

CUENTO

Había una vez un ELEFANTE que quería ser fotógrafo. Sus amigos, las HORMIGAS, el

MONO, la SERPIENTE y el COLIBRÍ se reían cada vez que le oían decir aquello:

Qué tontería - decían unos- ¡no hay cámaras de fotos para elefantes!

Qué pérdida de tiempo -decían los otros- si aquí no hay nada que fotografiar...

Pero el ELEFANTE seguía con su ilusión, y poco a poco fue reuniendo trastos y aparatos con

los que fabricar una gran cámara de fotos. Tuvo que hacerlo prácticamente todo: desde un

botón que se pulsara con la trompa, hasta un objetivo del tamaño del ojo de un ELEFANTE,

y finalmente un montón de hierros para poder colgarse la cámara sobre la cabeza.

Así que una vez acabada, pudo hacer sus primeras fotos, pero su cámara para ELEFANTES

era tan grandota y extraña que parecía una gran y ridícula máscara, y sus amigos, las

HORMIGAS, el MONO, la SERPIENTE y el COLIBRÍ se reían tanto al verle aparecer, que el

ELEFANTE comenzó a pensar en abandonar su sueño... Para más desgracia, parecían tener

razón los que decían que no había nada que fotografiar en aquel lugar... 

Pero no fue así. Resultó que la pinta del ELEFANTE con su cámara era tan divertida, que

nadie podía dejar de reír al verle, y usando un montón de buen humor, el ELEFANTE

consiguió divertidísimas e increíbles fotos de todos los animales, de las HORMIGAS, del

MONO, del COLIBRÍ, siempre alegres y contentos, ¡incluso de la malhumorada SERPIENTE!

De esta forma se convirtió en el fotógrafo oficial de la sabana, y de todas partes acudían los animales para sacarse una sonriente foto para el pasaporte al zoo.

A continuación encontraréis qué instrumento le corresponde a cada animal:

• ELEFANTE: TAMBOR
• HORMIGAS: XILOFONO
• MONO: PANDERETA
• SERPIENTE: PLATILLOS
• COLIBRÍ: CLAVES

OBJETIVOS:

• Conocer, identificar y familiarizarse con los instrumentos de percusión
• Desarrollar el gusto por la música y canaliza r las diferentes expresiones a través de la expresión corporal, los cuentos y los juegos.
• Aumentar el desarrollo auditivo.
• Trabaja la coordinación y la psicomotricidad.

EDAD: 5 años

DURACIÓN DE LA ACTIVIDAD: 10-15 minutos

FICHAS CON LAS QUE TRABAJARÍAMOS:

Este es el folleto que se podría presentar en la escuela o como folleto informativo para repartir a las familias de la actividad propuesta.

Clase 28 de Abril

ÚLTIMA CLASE

PONEMOS FIN AL BLOG

Finalmente hoy cerramos este blog sobre nuestra asignatura de música, y en el que mostramos todo aquello que hemos aprendido a lo largo de estos 5 meses.

En este último día de clase hemos hablado sobre el último trabajo con el que cerraremos esta asignatura.

Este consiste en realizar una clase de Educación Infantil, en el que su temática este relacionado con los contenidos que hemos visto a lo largo de cada sesión

En este caso, el grupo que hemos formado, hemos decidido hacerlo sobre los instrumentos de percusión, ambientandolos bajo un cuento, es decir, nuestro cuento se convertirá en una ORQUESTA ANIMALÓNICA.

En la siguiente entrada se podrá ver el trabajo que hemos realizado y los instrumentos necesarios para llevarlo a cabo.

Con esto , cierro el blog de: EDUCACIÓN MUSICAL EN LA ETAPA INFANTIL.

¡HASTA PRONTO!

VERÓNICA SÁNCHEZ JIMÉNEZ

Clase 7 de Abril

RELAJACIÓN

La clase del día de hoy la hemos destinado a la relajación. La música es un buen instrumento para poder trabajar en nuestro aula una buena sesión de relajación.

Primero de todo para que nuestra sesión salga correctamente y como nosotros esperamos debemos hacer una buena elección de la música que vamos a poner. Es recomendable que la música seleccionada cumpla las siguientes características:

• Música con ritmo constante, es decir, ni rápida ni lenta.
• Música que nos permita no identificarla con nada más, es decir, ni con una voz ni instrumento.
• Música que no contenga sonidos provenientes de la naturaleza, como por ejemplo olas del mar, lluvia, pájaros...

Estas características son imprescindibles, ya que van a permitir que la persona consiga una relajación plena y segura y así no piense en la música que esta sonando, puesto que si esto sucede, la relajación no funcionaría.

A continuación voy a pasar a explicaros la dinámica que realizamos en clase. Este tipo de sesiones debe tener una duración de aproximadamente 15 minutos, puesto que si se alargase más los niños comenzarían a distraerse fácilmente y se perdería la esencia de la dinámica.

Hemos dividido la clase en dos grupos. Uno de ellos se sentaba en sillas formando un círculo y el otro grupo debía ir paseando alrededor de éste.

Los que estaban sentados sobre las sillas debían tener sus ojos cerrados y la espalda hacia afuera del círculo, para que así los que lo rodeáramos pudiésemos tocar su espalda simulando un masaje.

El grupo que paseaba alrededor del círculo seguía las siguientes indicaciones marcadas por el profesor:

• Andábamos sigilosamente alrededor del círculo.
• Realizábamos diversas caricias, muy sutiles y sin apenas tocar.
• Tocábamos la cabeza masajeandola.

Lo enriquecedor de esta dinámica es conseguir una relajación plena. El no sentir la curiosidad por quién esta detrás de ti y quien te esta tocando. El sentirse bien y tranquilo, disfrutando cada momento.

Estas dinámicas son muy buenas para desinhibirse, para mantener contacto con unos y otros dejando de lado todos los posibles prejuicios y diferencias que pueden existir en un grupo.

Es recomendable que al acabar estas dinámicas, se termine con una reflexión de aquello que se ha sentido. Si te has sentido bien o mal, inquieto, nervioso... Y para ello es bueno hacer un debate o puesta en común de cada experiencia entre todos los compañeros.

Una de las posibles músicas que yo utilizaría para realizar una sesión de relajación seria la siguiente:

https://www.youtube.com/watch?v=Kp-VphLRr-g

Clase 31 de Marzo

CATA DE SONIDOS

La clase de hoy ha consistido en hacer un CATA DE SONIDOS:

Hoy hemos aprendido que cada nota de la escala es un GRADO, esto quiere decir lo siguiente:

Quinta o quinta justa, en música, es el intervalo musical  compuesto por tres tonos y un semitono (por ejemplo, entre do y sol hay dicha distancia):

DO - tiene grado I

RE -  tiene grado II

MÍ - tiene grado III

FA - tiene grado IV

SOL - tiene grado V

LA - tiene grado VI

SÍ -  tiene grado VII

La magnitud de los intervalos en música se denomina por el número de notas que hay entre los dos extremos, contando también estas dos notas. Por tanto, si tomamos un fragmento de cinco notas de la escala como do-re-mi-fa-sol, la distancia entre estas dos notas extremas do y sol es de una quinta.

Una vez que sabemos el grado de cada nota, hemos pasado a hablar de la Cadencia.

La cadencia: Es una serie de acordes o fórmula de melodía que suele coincidir con el fin de una sección en una obra. Una cadencia es una función armónica y formal caracterizada por una progresión (o encadenamiento) de acordes que suele desembocar en el acorde de tónica o acorde base.

A partir de aquí hemos pasado a conocer lo que es la Cadencia Perfecta, Plagal o Cadencia Rota.

Por ejemplo la Cadencia Perfecta de la escala que he presentado anteriormente se da en el V grado, es decir la Cadencia Perfecta de DO, se da en SOL.

Esto se suele dar al final de una melodía, para cerrarla y para que termine sonando correctamente, pero por ejemplo si queremos hacer una introducción de lo que vamos a presentar , en este caso para llegar al grado I, que es DO, debemos "subir" primero al V grado, en SOL. 

Muchas de las introducciones a las canciones hacen esto, preparan para entrar a la canción en el quinto grado. Es decir, sirve para presentar y dar una introducción a la canción, aunque lo más común es que esto se utilice al final, para hacer un buen cierre de ella.

Normalmente todas las canciones y sinfonías acaban y empiezan así.

La cadencia plagal es una cadencia  que enlaza un acorde de subdominante con el de tónica. Tiene sentido resolutivo, aunque no tanto como puede tenerlo la cadencia autentica. Tiene un carácter post - cadencial, es decir, se puede utilizar para confirmar una cadencia más potente como pudiera ser una cadencia perfecta. Lo característico de la Cadencia Plagal, es que acaba en el cuarto grado.

Este tipo de cadencia suele aparecer en canciones y melodías eclesiásticas.

Cadencia Rota

La cadencia rota cae del quinto grado al sexto, es decir intenta engañar al oyente de que la canción acaba en el quinto grado.

Lo cierto de todo es que aquí nunca se puede acabar, hay que acabar siempre en cadencia perfecta.

Esto suele ser un engaño que se hace, para sorprender al público y finalmente acabar " a lo grande" en la cadencia perfecta.

Finalmente para acabar la clase, el profesor ha puesto a prueba nuestro oído para ver si éramos capaces de discriminar una cadencia de otra.

Con el piano ha tocado 6 melodías diferentes, de las cuales teníamos que identificar y diferenciar unas de otras.

Esta práctica es bastante compleja y complicada, lo que llevaría a practicar esto numerosas veces, para así poder hacer una buena discriminación de cada cadencia.

Clase 24 de Marzo

La clase de hoy la hemos dedicado a la visualización de algunos conciertos de orquesta, para que así, podamos observar e interiorizar los contenidos que dimos la semana pasada sobre la clasificación de los instrumentos de orquesta.

En primer lugar el profesor nos ha hablado acerca de dos grandes compositores y directores de orquesta: LEROY ANDERSON Y BENJAMIN BRITTEN.

El primero de ellos, Leroy Anderson (1908- 1975), es uno de los más grandes compositores y directores de orquesta, además realizó numerosas piezas educativas en las cuales podías observar uno a uno los instrumentos de cada una de las familias de manera ordenada; también  participó en varias óperas estadounidenses.

Benjamin Britten (1913-1976) compositor, director de orquesta y pianista británico. Fue el primer músico o compositor que recibió un título nobiliario.

Hemos comenzado visualizando uno de los conciertos más famosos  de Leroy Anderson, el concierto llamado Sandpaper (Papel de Lija), compuesto por un compás de 4x4. Esta obra comienza con dos personas, disfrazadas como obreros, tocando con un papel de lija. Este instrumento es utilizado durante toda la obra, apareciendo así, en cada una de las partituras de los músicos.

A continuación dejo el enlace del concierto Sand Paper: 

https://www.youtube.com/watch?v=4QnPNleGIgE

A continuación hemos visto otra de las obras, llamada Tom y Jerry, de la famosa banda sonora de esta serie de dibujos animados. Esta, es una de las bandas que reúne prácticamente  todos los instrumentos de percusión, incluso quizá sea la que más. Además con ellos, son capaces de crear música de forma "diferente", para ello emplean bocinas, chapotean en agua, utilizan  papel de burbujas, tiran platos, etc… estando todo ello reflejado en la partitura de cada uno de los músicos.

En esa obra vemos que aparece un instrumento  poco común o menos conocido, como  puede ser la Sordina, además de incluir un efecto sonoro llamado Glisando.

La Sordina: es como un tapón, para los instrumentos de metal, que hace que el instrumento suene menos. Es un efecto parecido al de cuando nos tapamos la boca con la mano.

Glissando: este es un efecto sonoro consistente, que consiste en pasar rápidamente de un sonido hasta otro más agudo o más grave, haciendo que se escuchen todos los sonidos intermedios posibles dependiendo de las características del instrumento.

Seguidamente a todo esto hemos visto la obra de la Máquina de Escribir, también de Leroy Anderson, siendo esta una de sus obras más famosas.

Para terminar, también hemos hablado del compositor británico Benjamin Britten, ya anteriormente mencionado. Uno de los trabajos más conocidos que hizo fue la Guía para Orquesta de Jóvenes, en el año 1946. Esta obra se creó con la finalidad de poder acompañar a Instrumentos de la orquesta, en una película producida por el gobierno británico, dirigida y narrada por Malcolm Sargent.  Britten creó variaciones individuales para cada sección de la orquesta, comenzando por las maderas, luego las cuerdas, los metales y finalmente los instrumentos de percusión.

Clase 17 de Marzo

CLASIFICACIÓN INSTRUMENTOS MUSICALES

La clase del día de hoy ha tratado sobre la clasificación de los instrumentos musicales por familias y la colocación de estos dentro de una orquesta.

Debemos saber que cualquier sonido posee tres cualidades:

• Duración:  expresada mediante notas. La duración corresponde al tiempo que se mantienen las vibraciones producidas por un sonido, es decir, nos permite identificar los sonidos como largos o breves. Éste parámetro está relacionado con el ritmo. Dicho parámetro viene representado en la onda por los segundos que ésta contenga. 

• Intensidad: es la cualidad que diferencia un sonido suave de un sonido fuerte. Depende de la fuerza con la que el cuerpo sonoro sea ejecutado y de la distancia del receptor de la fuente sonora. 

• Timbre: Es la cualidad del sonido que nos permite diferenciar las voces e instrumentos. Cada instrumento tiene un sonido característico igual que cada uno de nosotros tenemos una voz distinta que los demás, ese rasgo es el timbre característico. Por ello distinguimos entre un piano y una guitarra aunque toquen la misma melodía. Los instrumentos poseen distintos timbres, pero las notas de cada instrumento tienen el mismo timbre.

A continuación vimos la clasificación de los instrumentos:

Como podemos observar todos los instrumentos están compuestos por un nombre y apellido.

Los instrumentos musicales se clasifican en las siguientes familias:

• Instrumentos de viento: Aerófonos
• Instrumentos de cuerda: Cordófonos
• Instrumentos de percusión: Idiófonos
• Instrumentos eléctricos: Electrófonos

Con todo esto, es decir, conociendo la clasificación de los instrumentos musicales por familias, podemos saber cuales son, según su situación en una orquesta.

A continuación se puede ver perfectamente en cada una de las imágenes:

Ya para terminar queda añadir queda añadir varias cosas a tener en cuenta:

• Cuando en una función encontramos un solista, este se sitúa en la zona central, frente al Director.
• Para saber el número de instrumentos que hay en una orquesta, debemos saber que por cada atril encontramos a dos músicos.
• El encargado de pasar la hoja siempre será el músico de dentro, para que el que se encuentre mas cercano al público siga tocando sin interrupción. 
• La posición del piano en ese lugar tiene un porqué. Y es que delante de este, encontramos los instrumentos más pequeños, como las violas, para que puedan ver al Director.
• La única familia que esta al completo es la familia de los instrumentos de cuerda, Cordófonos.
• En cada familia se encuentra un jefe de cuerda.
• El concertino es el representante de todos los instrumentos, y es a quién, el director, saluda al finalizar la función.

Clase día 3 de Marzo

En esta clase hemos dado un pequeño repaso a lo que hemos aprendido en días anteriores y hemos aprendido un nuevo concepto llamado la “Nota Sensible”.

Como ya hemos hablado anteriormente sabemos, que el diapasón lo encontramos cinco notas a la derecha del Do y que corresponde a la  nota La en 440 Hercios (Hz).

Respecto a esto, por ejemplo en una orquesta, es el Oboe el que da la nota La del Diapasón, ya que es el instrumento que lo da de forma más rápida y estable al coger antes la temperatura instrumental, siendo así el más rápido en la adaptación. Otros instrumentos, sufren variaciones o tardan más en adaptarse. Como al soplar en el instrumento echamos aire caliente, esto produce que el instrumento se dilate, pues el Oboe es el que más rápido se adapta a ese pequeño cambio de temperatura y producir la nota La de forma perfecta para que todos los instrumentos, a partir de ahí, se afinen.

A partir de aquí hemos empezado a cantar las notas en el siguiente orden: LA - SI- DO- SI – LA -  SOL – FA -  MI -  RE - DO  

Con esto queremos decir, que el diapasón es para nosotros como una referencia de la nota, es decir, partimos del diapasón y buscamos cualquier nota, además esto nos va a servir a comprobar cómo se canta cada nota.

Por ejemplo, en clase hemos practicado de la siguiente manera:

El profesor nos marcaba (mi), empezábamos por el orden marcado anteriormente (por LA) y parábamos en la nota deseada, en este caso mi. Esto lo hemos practicado numerosas veces, de forma individual y grupal hasta que hemos conseguido entenderlo.

Ya en la segunda parte de la clase hemos trabajado con el piano. Pero esta vez lo hemos hecho para aprender a reconocer el sonido de tres únicas notas: DO, MI y SOL.

ü  DO: sonido grave.

ü  MI: sonido medio.

ü  SOL: sonido agudo.

Tras esto el profesor nos ha marcado con el piano estas tres notas repetidas veces, es decir, como una especie de dictado en el que él nos marcaba las notas con el piano y nosotros debíamos identificar el sonido de cada una de ellas para poder escribirlas en el pentagrama en función al orden marcado.

En un primer momento nos ha marcado 8 notas y posteriormente lo ha aumentado a 12, entre las que teníamos que identificar repetidas veces DO, MI y SOL.

De esta forma, es más fácil aprender los sonidos de la notas y saber diferenciar qué nota está tocando de manera progresiva.

También han ido saliendo diferentes compañeros marcándonos la nota, dibujada en la pizarra, para que los demás la cantáramos. Todo ello acompañado por el piano, cantándola de forma más rápida  o lenta según nos indicaba el "director". 

Después de todo esto, hemos aprendido qué es la nota sensible."Es, en el sistema tonal, la que designa el séptimo grado de una escala musical. Así, en la escala de do mayor o menor, la sensible es si"

Clase 24 de Febrero

RITMOS Y COMPASES

En la clase de hoy hemos visto los tipos de compases que hay en el mundo y como se trabaja con ellos.

Es importante saber que solo existen dos tipos de ritmos en el mundo: Binario y Ternario

• Ritmo Binario (A2): divide el tiempo en dos partes iguales acentuando más el primero. Un - dos- tres/Un -dos - tres

Este tipo de ritmo lo podemos encontrar fácilmente en las marchas militares.

• Ritmo Ternario (A3): divide el tiempo en tres partes iguales acentuando más el primero. Este ritmo lo podemos encontrar en Jotas, Sevillanas o Valses.

El compás divide el tiempo en partes iguales y se indica por medio de una fracción (n/m) y sirve para marcar cuando el ritmo es binario (múltiplo de dos) en un pulso fuerte y un pulso débil (úndos - úndos). El ritmo ternario( múltiplo de tres) en un pulso fuerte y dos débiles (úndostres - úndostres). El ritmo cuaternario (múltiplos de 4) en un pulso fuerte y tres débiles (úndostrescuatro - úndostrescuatro).

Se toma como unidad de medida musical la negra o la negra o la negra con puntillo. Los pulsos se articulan en grupos binarios o ternarios. Pero cada pulso, a su vez, puede tener subdivisones binarias o ternarias. Por ello hay diferentes tipos de compases.

Compases simples: la unidad de tiempo se subdivide en mitades (compases de subdivisión binaria).

• Compás binario de subdivisión binaria: 2/4:Compás de dos cuartos o compás de dos por cuatro. El numerador 2 indica que el compás se divide en dos partes y el denominador 4 indica por convención que en cada una de esas partes hay una negra. Por lo tanto en todo el compás entran dos negras.

• Compás ternario de subdivisión binaria: 3/4. Compás de tres cuartos o compás de tres por cuatro. El numerador 3 indica que el compás se divide en tres fracciones y el denominador 4 indica ―por convención― que en cada una de esas partes entra una negra, es decir, en todo el compás entran tres negras.

• Compás cuaternario de subdivisión binaria: 4/4.Compás de cuatro cuartos o compás de cuatro por cuatro. Es un compás «cuaternario» (aunque esta nomenclatura está últimamente en desuso). El numerador 4 indica esos cuatro tiempos en los que se divide, y el denominador 4 indica que en cada una de las partes entra una negra. De esta manera, en todo el compás entrarían 4 negras.

Este compás es simplemente un caso particular de compás binario (divisible por dos) simple (subdivisible por dos), que sólo posee como ejemplos el compás de 2/4 y el compás de 4/4.

Compases compuestos: la unidad de tiempo se subdivide en tercios (compases de subdivisión ternaria).

• Compás binario de subdivisión ternaria: 6/8. Compás de seis octavos o compás de seis por ocho. El numerador 6 indica que existen 6 fracciones, y el denominador 8 quiere decir que la figura que está incluida en cada una de esas seis fracciones es ―por convención― una corchea. También por convención, este compás no se divide en tres pulsos de dos corcheas cada uno (que sería idéntico a un compás de 3/4) sino en dos pulsos con tres corcheas cada uno. En cada tiempo entra una negra con puntillo. Se marca en dos golpes con tres subdivisiones cada uno: 1-2-3, 1-2-3.

• Compás ternario de subdivisión ternaria: 9/8. Compás de nueve octavos o compás de nueve por ocho. El numerador 9 indica que hay nueve subdivisiones, y el denominador 8 indica que la figura musical que entra en cada una de esas subdivisiones es ―por convención― la corchea (1/8). También por convención se divide en tres tiempos, y cada tiempo se divide en tres subdivisiones. Es decir, en cada uno de los tres tiempos entraría una negra con puntillo, y en todo el compás entrarían tres negras con puntillo.

• Compás cuaternario de subdivisión ternaria: 12/8.Compás de doce octavos o compás de doce por ocho. El numerador 12 indica que en total tiene doce subdivisiones. Como —por convención— tiene cuatro tiempos, habrá tres subdivisiones por tiempo. El denominador 8 indica que en cada una de esas subdivisiones entra una corchea. En cada uno de los cuatro tiempos entrará una negra con puntillo.

Finalmente, realizamos varios ejemplos de compases en los cuales cada uno de ellos debía ir con figuras musicales, puntillo y silencios.

Clase 17 de Febrero

DIRECCIÓN DE ORQUESTA

La clase de hoy ha consistido en una sesión práctica, en la que en un primer momento hemos trabajado el ritmo y la coordinación a través de la música, y en una segunda parte donde hemos aprendido algunas nociones y técnicas básicas sobre cómo se dirige una orquesta.

Al sonido y ritmo de la música íbamos marcando con nuestro cuerpo el valor de negras y blancas. En un primer momento era el profesor quien marcaba y modificaba el ritmo, pero nos dimos cuenta que lo complicado venía en el momento que una por sí sola debía dirigir al grupo. Pues para hacer esto de forma correcta es necesario conocer una serie de reglas o ideas, para poder dirigir a un gran grupo.

Es necesario que para que un grupo funcione bien y pueda entender correctamente la orden del director, éste, deba saber cómo y cuándo hay que dar la orden.

• ¿Cómo? Es necesario avisar con uno o dos compases de antelación lo que posteriormente se va a hacer.
• ¿Cuándo? Es necesario escuchar el ritmo de la música para saber el momento exacto en el que hay que empezar a moverse.

En la segunda parte de la clase hemos aprendido las técnicas básicas de Dirección de orquesta:

La dirección de orquesta consiste en la aplicación de forma artística de determinadas técnicas gestuales, de ensayo y psicológicas para conseguir que una orquesta recree la obra de un compositor de la forma más adecuada a cómo éste la pensó al crearla.

La constitución física de cada director de orquesta es determinante de su gesto, de su inteligencia, nivel cultural, carácter y personalidad, además de la relación con la orquesta y conocimiento de la obra musical. No obstante, se puede resumir la labor del director de orquesta en dos apartados principales: el desarrollo recreacional (en el sentido de volver a crear) o "interpretativo" y el desarrollo técnico conveniente y necesario para llevar a cabo el primero.

Conforme a esto, el directo debe llevar a cabo correctamente las siguientes técnicas:

• Técnicas Gestuales
• Técnicas Psicológicas
• Técnicas de Ensayo

TÉCNICAS GESTUALES:

Consisten en la serie de movimientos físicos que han de realizarse para indicar a la orquesta cómo han de tocar, más allá de lo meramente escrito en la partitura. Principalmente serán de brazos, aunque en el ejercicio de la dirección de orquesta es posible y recomendable cultivar el uso de todo el cuerpo.

Dentro de la técnica de brazos, se pueden resumir en las tres figuras principales:

• Allá breve y/o binario (bastón): el gesto se divide en dos fases, una de subida y otra de bajada, desde un punto de inicio o pulso. Para compases de dos.
• Ternario o triángulo: El gesto se divide en pulso inicial, tramo horizontal hacia fuera, en que se marca el segundo pulso, tramo vertical de subida desde el tercer pulso y caída hasta el siguiente pulso inicial. Para compases de tres.
• Cuaternario o en la cruz: El gesto se divide en pulso inicial, tramo horizontal hacia dentro (con o sin cruce de brazos) hasta el segundo pulso, tramo horizontal hacia fuera hasta el tercer pulso, y cuarto pulso con rebote vertical hacia arriba más su posterior caída hasta el siguiente pulso inicial. Para compases de cuatro.

TÉCNICAS PSICOLÓGICAS:

Consisten en la manipulación de los músicos y del público para re-crear las intenciones del compositor al crear la obra musical. Dependerán de la habilidad del director de orquesta como comunicador  y de su disposición hacia la obra.

TÉCNICAS DE ENSAYO:

Son las aplicadas durante el trabajo de ensayo de las obras y constituyen la verdadera labor del director de orquesta, al ser en ellos en los que se puede profundizar en el conocimiento de la obra y de su interpretación. 

LÍNEAS VISUALES DE REFERENCIA:

Con este debemos tener en cuenta:

• Todos los compases se marcan en el mismo sitio (línea).
• Una mano marca las líneas visuales de referencia.
• La otra mano marca los golpes de percusión, marcándolo uno o dos compases antes.

A partir de aquí hemos comenzado a hacer varias prácticas y en ellas hemos notado la dificultad que existe a la hora de marcar el momento del golpe de percusión, en este caso la palmada, para que el resto de compañeros pudiesen hacerlo correctamente.

Una de ellas consistía en una mesa imaginaria en la cual teníamos que dar "golpes" y cuando el director llegase a tocar esa mesa imaginaria, el resto de compañeros tenían que dar una palmada, simulando el sonido del golpe. Esto también lo practicamos dividiendo el grupo, y así, el director de orquesta de ese momento, debía dirigir con la mano derecha a la parte derecha, con la mano izquierda dirigía a la parte izquierda y con las dos manos a todos. 

El siguiente vídeo que presento ha llamado mi atención ya que se ve como este pequeño, es capaz de dirigir claramente al grupo, marcando el momento en el cada grupo de músicos tiene que tocar, así como cada una de las técnicas trabajadas en clase. Sobre todo llama mi atención la forma que tiene de combinar una mano con la otra, señalando en cada una de ellas cosas diferentes.

Edward Yudenich dirige realmente la orquesta filarmónica de Usbekistan. Solo tiene 7 años. Su ritmo, comprensión musical, y desempeño es completamente profesional y llama claramente una gran  atención.

Clase 10 de Febrero

FIGURAS MUSICALES Y SILENCIOS

En el día de hoy hemos aprendido los tipos de figuras musicales, sus grafías, su valor y sus silencios.

Como se puede observar en la imagen , las figuras musicales se componen de : Redondas, Blancas, Negras, Corcheas y Semicorcheas.

Por lo tanto:

• REDONDA = 2 Blancas
• BLANCA = 2 Negras
• NEGRA = 2 Corcheas
• CORCHEA = 2 Semicorcheas
• SEMICORCHEA = 2 fusas

También hemos aprendido los silencios de cada una de ellas:

Señalar que el silencio de cada figura tiene exactamente el mismo valor que el de su propia figura, es decir, si una Redonda, vale 4 pulsos, su silencio vale 4 pulsos.

También es importante conocer las partes de las que esta compuesta una figura musical:

COMPÁS Y PUNTILLO

COMPÁS:

Es la entidad métrica musical compuesta por varias unidades de tiempo (como la negra o la corchea) que se organizan en grupos. Se utiliza para saber cuántos pulsos hay en cada compás. Los compases se pueden clasificar en función del número  de tiempos que los forman surgen los compases binarios, ternarios y cuaternarios. La división en compases se representa mediante unas líneas verticales, llamadas líneas divisorias (o barras de compás), que se colocan perpendicularmente a las líneas del pentagrama. 

PUNTILLO:

Pequeño punto que colocado a la derecha de una nota o silencio, añade la mitad de su valor.

Por ejemplo; una redonda con puntillo, tendría un valor de 6, lo que podría equivaler a 3 blancas, o 6 negras.

Ya para terminar la clase y comprobar si habíamos entendido la explicación del día, el profesor nos propuso hacer compases de 5 particiones con valor de tres negras; cada compás debería ir compuesto por figuras, silencios y puntillo.

Clase 3 de Febrero

DIAPASÓN Y GUITARRA ESPAÑOLA

En el día de hoy hemos trabajado dos nuevos conceptos, el DIAPASÓN y la GUITARRA ESPAÑOLA.

Comenzaré hablándoos del DIAPASÓN:

Un diapasón es un dispositivo metálico (generalmente acero) con forma de horquilla, utilizado principalmente como referencia para afinación de instrumentos musicales.

Se utiliza principalmente como referencia para afinación de instrumentos musicales, pues tras un breve momento emite un tono musical puro que permite la disipación de sobretonos (armónicos) altos. 

La razón principal del uso de la forma de horquilla es porque, al contrario de muchos otros tipos de resonadores, el tono que genera es muy puro, cuya mayor parte de energía vibratoria está en la frecuencia fundamental, y poca en los sobre tonos.

Para usarlo se golpea suavemente o se pellizcan las dos ramas de la U, de manera que aquél comience a vibrar. Como cualquier instrumento musical, el elemento generador casi no emite sonido alguno. Por ello es necesario un elemento de amplificación, para lo cual la parte que no vibra se apoya en la caja de resonancia de algún instrumento o en cualquier superficie rígida.

Para que el sonido exista y surja, se debe tener en cuenta que las dos barras metálicas que vibran no se pueden tocar, ya que si se hace, dejaría de existir sonido y por lo tanto no sonaría.

Como el sonido que emite es demasiado bajo es conveniente y a la vez necesario que para poder escucharlo se apoye por ejemplo sobre una pared, acercándolo al oído y que otra persona nos lo acerque a la cabeza, mientras nosotros nos tapamos los oídos. También podría ser poniéndonos en un oído el hueso  de la muñeca, a la vez que nos tapamos el otro y que otra persona nos apoye el diapasón en el codo. Aunque parezca increíble esto puede llegar a escucharse ya que los huesos son unos buenos transmisores

Además es importante saber que el Diapasón únicamente emite la nota LA, y esto es porque se trata de una nota pura que no contiene decimales y es por ello más fácil de asignar.

GUITARRA ESPAÑOLA

La guitarra es un instrumento musical de cuerda pulsada, compuesto de una caja de madera, un mástil sobre el que va adosado el diapasón o trastero —generalmente con un agujero acústico en el centro de la tapa (boca, y seis cuerdas. Sobre el diapasón van incrustados los trastes, que permiten las diferentes notas. Su nombre específico es guitarra clásica, guitarra española, guitarra criolla o guitarra acústica.

En el mástil encontramos las seis cuerdas que posee una guitarra española, enumerados de abajo - arriba, desde las más agudas a las más graves, distribuyéndose de la siguiente forma:

También es importante saber que el mástil se compone de doce trastes y que el sonido de una cuerda se produce pisando sobre ella.

1. MI

2. SI

3. SOL

4. RE

5. LA

6. MI

En la guitarra también podemos encontrar y utilizar la Cejilla; este es un dispositivo que se emplea para acortar las cuerdas, poniéndolo en cualquier traste y así subir el tono de cada nota.

Clase día 27 de Enero

En la clase del día de hoy hemos comenzado con una explicación del profesor  sobre el surgimiento de la escritura musical y de quiénes la hacían.

En el origen de la escritura musical somos la cultura occidental que escribe la música. Pero no todas las culturas escriben la música, como es en el caso de África, Asia, India y la Polinesia.

Antiguamente la escritura musical se escribía a partir de neumas. La notación neumática, proviene del latín y es un sistema de notación musical empleado entre los siglos IX y XIII. Consistía en una serie de signos gráficos que se escribían por encima de un texto y que representaban uno o varios sonidos, sin especificar el ritmo. Las grafías especifican el número de sonidos, el modo en el que se articulaban entre sí, así como la situación tonal o melódica.

Constituye uno de los primeros intentos sistemáticos de notación musical. Este tipo de escritura musical está más cerca de ser una ayuda mnemotécnica, que un sistema musical propiamente dicho, puesto que los textos de neumas no podían ser descifrados si no se conocía la , melodía previamente.

Su origen está en la indicación de los acentos graves y agudos de las palabras latinas sobre el texto, formando los llamados neumas que representaban muy imperfectamente los giros melódicos de una pieza musical. En la notación neumática, el tempo y el ritmo dependen del texto y no se anotan.

Esta notación fue posteriormente perfeccionada por Guido de Arezzo, un Benedicto italiano que desarrolló nuevas técnicas de enseñanza ya que se percató de la dificultad que tenían los monjes a la hora de cantar los cantos gregorianos. En su estancia en Arezzo, desarrolló nuevas técnicas de enseñanza, incluyendo el tetragrama (pauta musical de cuatro líneas con notas cuadradas), precursor del pentagrama, y la escala diatónica. Perfeccionó la escritura musical con la implantación definitiva de líneas horizontales que fijaron alturas de sonido, cercano a nuestro sistema actual y acabando con la notación neumática.. Finalmente, después de ensayar varios sistemas de líneas horizontales se impuso el pentagrama  griego: cinco líneas. Pero aún sigue sin saberse quién añadió esa quinta línea.

Guido de Arezzo es también el responsable de los nombres de las notas musicales. En la Edad Media, las notas se denominaban por medio de las primeras letras del alfabeto: A, B, C, D, E, F, G (comenzando por la actual nota la). 

• A: LA
• B: SI
• C: DO
• D: RE
• E: MI
• F: FA
• G: SOL

Hoy en día podemos encontrar en algunos instrumentos esta notación.

Guido tuvo la idea de emplear la primera sílaba el himno de San Juan el Bautista de cada frase para identificar las notas que con ellas se entonaban. Es decir, recordaban la nota por la sílaba de cada verso. El texto en latín de este himno rezaba así:

Guido de Arezzo denominó a este sistema de entonación solmisación (en latín, solmisatio), y más tarde se le  denominó solfeo.

PENTAGRAMA

Escritura, dibujo, línea o pauta musical es el lugar donde se escriben las notas y todos los demás signos musicales en el sistema de notación musical occidental. Está formado por cinco líneas y cuatro espacios o interlineas, que se enumeran de abajo hacia arriba. Las líneas son horizontales, rectas y equidistantes.

PIANO

Ya en la segunda mitad de la clase hemos pasado a trabajar con el piano. En él, hemos aprendido a tocar las notas en el teclado.

Antes de todo, debemos saber que la nota DO, se sitúa en el centro del teclado, y siempre va a ir delate de dos teclas negras. A partir de ahí todas las teclas situadas a la izquierda de la mano, solo se van a tocar con esa mano, y las teclas situadas a la derecha de nuestra mano se van a tocar con la mano derecha.

Para poder recordar las reglas del teclado y saber cómo se toca, debemos saber lo siguiente:

• Un DO, siempre va a ir delante de dos teclas negras.
• Un #: Sostenido, aumenta medio tono hacia la derecha.
• Un b: bemol, dista medio tono hacia la izquierda.
• Todas las teclas consecutivas del piano distan medio tono, sean blancas o negras.
• Siempre que haya una tecla en medio, es que entre las dos anteriores hay un tono.
• Siempre va la señal y luego la nota.

Ya para terminar y comprobar si hemos comprendido las reglas del piano, lo hemos puesto en práctica. Pues hemos ido uno por uno tocando la nota correspondiente que nos indicaba el profesor, o el mismo nos marcaba una nota y nosotras debíamos identificar cual era.

Clase 20 de Enero

¡EMPEZAMOS DE NUEVO!

Ya hemos comenzado el segundo semestre de la asignatura, y a partir de hoy voy a ir presentando lo que vamos a ir aprendiendo en cada una de nuestras sesiones hasta final de curso.

En la entrada de hoy voy a presentaros la clase del  pasado lunes 20 de Enero, aquello que aprendimos y sobre los conceptos que vamos a trabajar a lo largo de cada sesión.

Según avancen las semanas deberemos ir aprendiendo los siguientes conceptos:

- Notas del pentagrama
- Figuras y silencios
- Puntillo
- Instrumentos musicales y su clasificación
- Teclado

Ahora voy a pasar a explicaros en lo que ha consistido la sesión de hoy:

En la clase de hoy, hemos estado haciendo ejercicios donde primaba el movimiento del cuerpo, la coordinación, la memoria y la atención. 

En la primera parte de la clase hemos estado practicando el llamado "símil de director de Orquesta", en el cual, marcado en un primer momento por el profesor, hemos ido realizando diversos ejercicios corporales marcados por una seriación de números: 1, 3, 5, 7 y 9.

Cada uno de estos números estaba marcado con un ritmo y tiempo diferente; es decir, en ellos practicábamos el tiempo de una negra (1), de una corchea (1/2) y una semicorchea (1/4) a través de nuestras manos. En este momento el profesor representaba un papel bastante importante, ya que él nos marcaba el inicio, la seriación y el final. Además lo repetía varias veces y sobre todo nos lo marcaba de forma anticipada para que pudiéramos ir todos a la vez.

Pues es aquí donde el director de orquesta tiene un papel muy importante; el de ser capaz de anticipar cada movimiento y cambio al grupo para que éste siga en todo momento coordinado.

Una vez que ya habíamos practicado esto con el profesor repetidas veces, el Director de Orquesta cambió, y pasó de ser el profesor a serlo una de nosotras. En este momento nos dimos cuenta de lo complejo que puede llegar a ser el dirigir a un gran grupo y que este vaya coordinado en todo momento.

El objetivo principal que el profesor nos quería trasmitir con este ejercicio era el de crear un buen silencio al principio y al final de cada "actuación". 

Finalmente para terminar este ejercicio aprendimos el concepto de El Puntillo; este se encarga de añadir la mitad del valor de una nota o silencio; es decir, alarga el sonido de una nota.

En la segunda parte de la clase realizamos un ejercicio diferente y trabajamos el concepto de Efecto - Espejo. Aquí debíamos realizar los mismos movimientos que iba realizando el profesor. Situados en dos filas diferentes, una frente a otra, íbamos repitiendo los pasos que nos marcaba el profesor haciéndonos ver que la fila que se encontraba frente a él no podía realizar exactamente el mismo movimiento, ya que su derecha no es nuestra derecha ni su izquierda es nuestra izquierda.

Este ejercicio es muy bueno trabajarlo con música para practicar la lateralidad y atención, ya que implica el movimiento hacia un lado y a otro, adelante y hacia atrás... y estar atento a los cambios que se hacen moviendo la pierna y brazo adecuado.

La verdad es que a muchas de nosotras nos costo realizarlo correctamente ya que al intentar repetir el movimiento del profesor lo repetíamos con la pierna o el brazo que frente a nuestro espejo se movía y no justamente con lo contrario.

Tras esto también hicimos una preparación y/o calentamiento para tocar instrumentos de percusión, sentados en las sillas, también unos enfrente de otros, imitando una vez más lo que hacia el profesor. Esta vez realizamos una serie de juegos de manos donde tocábamos pequeños golpes en las piernas con diferentes movimientos. 

Ya para finalizar la sesión de ese día realizamos un ejercicio basado en técnica básica de dirección. El profesor nos dividió en tres grandes grupos al que asigno una palabra diferente a cada uno (Rusia, Fucsia y Murcia). 

Situado en el centro de los tres grupos indicaba al grupo que debía decir su nombre, y en función del movimiento de sus brazos lo hacíamos fuerte o bajo, es decir, una vez más se convirtió en nuestro director de orquesta.

En este ejercicio volvimos a practicar alguno de nosotros, intentando aprender a dirigir un grupo correctamente haciendo que el resto de las personas lograsen captar lo que queríamos que el resto hiciese, además haciéndolo de tal manera que las demás personas capten si deben hacerlo muy fuerte, fuerte, bajo... es decir, marcando la intensidad.

Clase 11 de Noviembre

Actividad

La actividad que voy a desarrollar va a consistir en lo siguiente:

Voy a elegir una canción y a través de ella voy a crear una actividad. Pues la canción elegida me va a permitir hacer una serie de actividades y me va a facilitar trabajar algunos conceptos.

Mi canción elegida, o mejor dicho, Banda Sonora, es de la película de Piratas del Caribe.

SENTIMOS LA MÚSICA

Destinatarios: niños de 4 - 5 años de edad.

Objetivos:

•           Discriminar los tonos fuertes de los bajos.
•       Discriminar los sonidos rápidos de los lentos.

 

Desarrollo:

Con ella realizaré lo siguiente:

-        

1. Ayudados por una tela y una pelota, en grupos de 4 – 5 niños al sonido de la música y alrededor de la tela, deberán ir moviéndola  sin que la pelota salga ni caiga al suelo.
2. Al sonido de la música, y sobre un gran papel continuo, deberán ir dibujando aquello que la música les inspire.
3. A continuación, cada uno de ellos con una pelota deberá marcar lo siguiente: en los tonos fuertes de la canción los niños deberán mantener la pelota en el aire. Mientras que cuando suenen los tonos más bajos la pelota deberá rodar por el suelo.
4. Posteriormente, trabajarán con su cuerpo. Cuando escuchen el tono fuerte de la canción deberán repartirse por el espacio y tendrán que marcar ese sonido con movimientos exagerados ; en cambio cuando suenen los tonos más bajos harán movimientos más ligeros y caminarán más despacio.

Como se puede ver, con una simple canción se pueden marcar diversas actividades con los niños, en las cuales se pueden llegar a trabajar numerosos conceptos.

Este tipo de sesiones nunca podrán tener una duración máxima de 15 - 20 minutos.

Es conveniente que se trabaje en sesiones repartidas y no todo en el mismo día.